Après une bonne incursion vendredi au Salon de la Photo 2009, il me semble intéressant de vous faire un premier retour alors que celui-ci ne ferme ses portes que demain soir.

Tout d’abord, et avant même d’avoir le chiffre de la fréquentation, je pense pouvoir dire, sans me tromper, que c’est un très bon cru ! En effet, la foule était présente dès le jeudi et, vendredi jour de ma visite, le salon m’a semblé très bien rempli. Les démonstrateurs de chez Adobe m’ont d’ailleurs confirmé cette impression. Je n’ose pas imaginer ce que cela devait être pendant le week-end …

Il faut dire toutes les dernières nouveautés étaient bien présentes. Chez Canon, on avait évidemment mis en évidence l’EOS 7D. Chez Nikon, on bondissait de joie après l’annonce du D3s. Celui-ci était d’ailleurs manipulable sur le stand. Bravo, Nikon, d’avoir sur ce coup-là, favorisé la France ! Chez chacun, on pouvait tester évidemment mettre la main sur chaque boitier de la gamme ainsi que sur les différents objectifs. De quoi se rassurer avant de passer à la caisse.

A coté, de ceux-ci, on pouvait bien évidemment profiter des boitiers et objectifs des grandes marques comme Panasonic, Pentax, Sony, Sigma ou Tamron. Dans le lot, on a pu notamment remarquer les animations offertes par Panasonic ou Sony. A ce sujet, les stands ne sont pas toujours à la hauteur des nombreuses personnes qui tentent d’y accéder. Mais encore une fois, certains ont été victimes de leur succès.

Evidemment, c’était une belle occasion pour aller découvrir des accessoires en tout genre ou les belles impressions offertes, entre autres, par Epson. C’est également toujours avec un grand intérêt que je vais découvrir les différentes gammes papier présentées par les fabricants. Malheureusement, je regrette que certains ne puisse pas proposer de pochette test à la manière de Hahnemühle.

Coté logiciels, j’ai trouvé que cette année, ils faisaient un peu pâle figure. Adobe avait un petit stand à l’entrée ainsi qu’une mini salle de présentation qui n’a pas désempli tout au long des différentes démonstrations. Un peu chiche pour une aussi grande marque qui fait payer assez cher ses logiciels. Mais j’ai quand même bien apprécié les différents démonstrateurs, comme Jean-François Vibert ou Cyril Bruneau, qui répondaient inlassablement à de très nombreuses questions. Chapeau bas ! En revanche, chez Phase One (Capture One), le stand était encore plus simple. Quant à Application Systems et son logiciel Bibble Pro dont on attend toujours la sortie de la V5, ils n’ont même pas osé se montrer ! Il me paraitrait intéressant que les distributeurs de logiciels en fassent un peu plus à l’heure où les possibilités de traitement logiciel de nos images sont de plus en plus nombreuses.

Au delà de tout cela, on pouvait, au détour des nombreuses allées, découvrir de magnifiques images dont celles de Willy Ronis mis à l’honneur alors qu’il nous quittait il y a à peine 1 mois.

Cette année était également marquée par la présence d’un stand bien particulier, l’Agora du Net. En effet, celui-ci permettait de réussir ces passionnés qui, tout au long de l’année, échangent dans les forums et sur les sites les plus variés. J’ai notamment remarqué la présence de Benoit Marchal qui fut un présentateur remarqué des nombreuses conférences dispensées au cours de la journée. Cette fois-ci ceux sont les internautes eux mêmes qui mettaient la main à la pâte en nous faisant par de leurs connaissances dans les domaines les plus variés (Nettoyer son capteur, réaliser un test d’impression, la photographie de chevaux, …).

Ma petite mention spéciale ira à Pierre-Antony Allard, ancien directeur artistique des Studios Harcourt, qui pendant trois reprises au cours de la journée, dispensait, images à l’appui, la façon de réussir un beau portrait. J’ai particulièrement apprécié son enthousiasme à nous faire part de ces connaissances et ceci au delà du monde même de la photo.

Encore une fois, j’ai trouvé ce salon vraiment réussi. Et pour tous ceux qui souhaitent approfondir leurs connaissances autour de leur passion, c’est un lieu à ne manquer sous aucun prétexte !

Bien d’autres photos sont visibles sur mon compte Flickr.

Pour compléter ce premier retour, allez lire l’opinion d’Olivier Ezratty sur les appareils, les accessoires, les logiciels et services.

C’est avec un grand plaisir que j’ai parcouru samedi le Salon de Photo 2008, porte de Versailles à Paris. Après une Photokina très riche en annonces, ce salon a offert la possibilité de les découvrir physiquement.

Dernier article, avant le week-end, sur l’utilisation des catalogues dans Lightroom. Cette fois-ci, j’ai demandé à Gavin Seim de pouvoir vous traduire un récent article, de sa part, sur sa vision d’utiliser les catalogues de Lightroom. Comme vous pourrez le voir, il ne s’agit pas d’une méthode conventionnelle mais elle me paraît intéressante à l’heure où chacun se demande comment aborder la gestion des fichiers images avec Lightroom.

© Joseph Rossbach

L’automne est une saison particulièrement photogénique. On y voit une profusion de couleurs. Les lumières matinales ou du soir sont particulièrement belles. De plus, c’est la saison où l’on peut facilement apercevoir de légères brumes se promener ici et là.

Aujourd’hui, je suis heureux de vous offrir la traduction d’un article de Joseph Rossbach, photographe professionnel spécialisé dans la photo de paysage et de la nature. Joseph qui habite dans le Maryland a parcouru pendant plus de 10 ans les Etats-Unis pour ramener de très belles images qui ont plus d’une fois fait la une des journaux et magazines. N’hésitez d’ailleurs pas à parcourir son site qui en regorge.

Il y a quelques jours, le Studio BEBB a eu l’occasion de tester en avant première le dernier Canon EOS 5D Mark II. Je rappelle que Stephen et Jennifer Bebb ont été élus dans les 10 meilleurs photographes de mariage du monde par la revue PopPhoto en 2007 (voir ici). J’ai eu le plaisir de rentrer en contact avec Jennifer et de lui proposer d’apporter leur retour d’expérience aux lecteurs français.

Retrouvez donc ci-dessous la traduction de cette première prise en main de ce nouveau boitier Full Frame (24×36mm) de chez Canon.

Pour compléter cet article, je vous propose également ce lien de ce site dédié à la découverte du Canon EOS 5D Mark II.

(épisode précédent)

La facturation

Comment je facture mon travail ?

Gardez à l’esprit que les prix sont ceux du marché canadien. Je sais que nous sommes moins chers qu’aux États-Unis pour la même qualité de service. Je ne peux pas faire grand-chose par rapport à cela. Par exemple, je sais qu’un retoucheur photo de même niveau aux États-Unis gagne 2x plus par heure, et en plus, le taux de change est incroyable ! Que puis-je faire ? Aller à Paris ?! C’est une possibilité mais le coût de vie y est 4 x plus élevé que ce qu’il me coûte de vivre vraiment très bien au Canada. Je reste donc ici et arrête de penser à ce que je pourrais faire ailleurs car je n’y vis pas.

Mon forfait classique est basé sur une journée de 10h de travail et si nous devons disposer de plus de temps, j’ai un tarif à l’heure. Il est très rare que j’ai à demander plus. Tout le monde apprécie que le travail soit effectué rapidement, en 10 heures ! Si je dois voyager à l’extérieur de la ville dans un rayon de quelques heures, je ne facture pas au client les heures mais tous les frais tels que chambre d’hôtel, essence, repas, etc. Si j’ai besoin de voyager par avion, je vais aussi ajouter des indemnités journalières pour les repas et une taxe spéciale, normalement au taux d’une demi-journée, pour le temps du voyage.

Conclusion

(épisode précédent)

Le transfert en FTP

La livraison par DVD

L’archivage et la sauvegarde

1. La sauvegarde quotidienne

C’est la plus importante des sauvegardes parce que je suis le seul qui dispose des fichiers PSD en cours et je ne veux rien perdre et donc devoir tout refaire. Je suis assez paranoïaque à ce sujet. Cela peut sembler une perte de temps et peut-être un peu trop excessif mais je préfère prendre dix minutes pour sauvegarder mes images pour des raisons de sécurité plutôt que d’avoir à refaire les trois heures de travail d’édition pour me retrouver à l’endroit où j’étais quand le dossier a été perdu.

2. La sauvegarde des travaux terminés

Sur les DVDs, je vais graver le dossier complet, par exemple STEPHANEMILHOMME/BAZAAR_SPRING08, qui contient tout sauf les fichiers RAW que je n’ai pas utilisés (parfois une séance photo peut faire environ 1 à 2Go par style/genre de photo et pour une séance éditorial qui a 8 images environ 16Go). Etant donné que le photographe est responsable de faire sa propre sauvegarde, je n’ai pas besoin de le faire moi-même.

(épisode précédent)

L’export

1. Créez une nouvelle action, donnez-lui un nom et une couleur. N’incluez pas un « Fermer » ou un « Enregistrer » dans votre action, cela va certainement provoquer plus tard un message d’erreur lorsque vous essayerez d’enregistrer dans un autre répertoire. De plus, je ne mets pas de redimensionnement de mon image dans cette action, car il s’agit d’une action générique pour mes travaux de tous les jours.
2. Appuyez sur OK.
3. Sélectionnez « Aplatir l’image » de la palette calque.
4. Sélectionnez Modifier -> Convertir le profile -> Adobe RGB (je travaille avec Pro Photo en 16 bits et je ne veux pas livrer au magazine avec ce type d’espace de couleur. Nombreux sont ceux qui ne sauraient pas produire un bon CMJK avec cela.)
5. Sélectionnez le mode image -> 16 bits> 8 bits (mêmes raisons que ci-dessus).
6. Maintenant, voici la partie difficile. J’ai trouvé cette astuce de Jeff Shewee lors d’une conférence qu’il faisait il y a quelques années et franchement ça marche ! Ce n’est pas pour tout le monde et vous devez comprendre les notions de base sur la couleur et la conversion CMJK avec leur implication sur le choix du papier, de l’encre, le type de presse etc.
7. Sélectionnez Convertir le profile -> CMJK personnalisé (J’ai défini un paramètre générique qui fonctionne très bien pour conserver un rendu le plus proche du RGB, sachant qu’aura lieu une compression de la gamme de couleurs, mais jusqu’à présent, ces réglages ont été très bons pour tous mes travaux à destination de la presse. Cependant, je ne peux pas partager cette recette, mais vous pouvez utiliser le réglage « US SWOP COATED/UNCOATED » car il fonctionnera bien.)
8. Sélectionnez Convertir le profile -> sRGB. Appliquer ces deux conversions me permet de garantir qu’à partir de ce moment toutes les couleurs sont imprimables et que le magazine n’a pas de transformation à faire qui donnerait quelque chose que je ne veux pas. Le fait de convertir en sRGB permet de rendre l’image bonne pour tout autre usage par la suite, sans avoir des problèmes de rendu de couleur. J’ai de bien meilleurs résultats que par le passé lorsque je laissais dans la maison d’édition faire la conversion CMJK. Je ne le fais normalement que pour les magazines parce que je sais que les clients de mon agence de publicité ont des équipes internes qui réalisent un bien meilleur post-traitement.
9. Ajoutez un peu un calque de réglage courbe qui va récupérer un peu de contraste.
10. Ajoutez un peu un calque de réglage Teinte/Saturation pour faire ressortir la couleur.
11. Ajouter un calque de réglage pour le noir seulement autour de +2 afin de le faire ressortir.
12. Sélectionnez « Aplatir l’image » de la palette calque.
13. Voila, l’action en prêt à être appliqué à toutes mes images en haute résolution.

Le processeur d’images

Ici, je vais y faire ce qui suit :

1. Précise où je veux que les images soient sauvegardées. Rappelez-vous le dossier TIF_HIREZ que j’ai créé plus tôt ? Je sélectionne ce dossier.
2. Pour le type de fichier, je pourrai choisir n’importe quoi mais, pour l’instant, je choisis « Enregistrer en TIFF », je sélectionne la compression LZW et décoche la case “redimensionner pour s’adapter à”.
3. Dans Lancer ACTION, je choisis mon action MAGAZINE. J’ajoute le droit d’auteur du photographe et coche « Inclure les profils ICC ».
4. J’appuie sur Lancer.

Quelques instants plus tard, j’ai mes fichiers en haute résolution TIFF 8bits sRGB prêts pour la livraison. Parfait. Si j’avais également besoin de créer des images JPEG, j’aurais choisi l’option # 2, convertis en sRGB, qualité 10, et redimensionné à la taille en pixels dont j’avais besoin. Si vous avez des images horizontale et verticale dans le même dossier et que vous voulez à une largeur ou hauteur spécifique, il suffit d’entrer la même valeur dans les cases vides et les fichiers auront tous la même taille en pixels sur leur côté le plus long.

Lorsque les images en haute résolution sont finies, je les ouvre toutes individuellement dans Photoshop pour les recadrer et leur appliquer une netteté finale appelée netteté de sortie. Je les redimensionne selon les instructions du photographe, en laissant 63mm de plus autour de l’image pour donner un peu de latitude au graphiste du magazine. En ce qui concerne la netteté, je la fais à la fin sur un fichier recadré et affiché à la taille réelle des pixels (100%). Une fois cela fait, l’image est jugée à 25% pour voir si la netteté est trop forte ou pas assez forte. Au besoin, je reviens un pas en arrière et affine mes réglages.

Maintenant, je suis prêt à envoyer les images à mon client via DVD ou FTP. Habituellement, ils apprécient les deux méthodes pour la vitesse du FTP et la copie de sauvegarde du DVD (envoyé par courrier express). Le coût des deux est inclus dans mon frais.

(épisode précédent)

Phase II : l’ajustement des photos sous Photoshop

Le rendu de couleur « bronze-désaturé » des couvertures de mode haut de gamme

1. Réglages -> Teinte/Saturation.
2. Désaturez à -100.
3. Changez le mode de superposition des calques sur Overlay.
4. Faites un autre réglage -> Teinte/Saturation.
5. Désaturez à -100.
6. Ajustez l’opacité à votre goût.
7. Ajustez la balance des couleurs.
8. Ajoutez un peu de jaune, vert, rouge pour obtenir une couleur brunâtre.
9. Et puis, désolé, je ne peux pas écrire le reste, un secret est un secret!

Le post-traitement d’images de lingerie pour les medias

Je ne recadre jamais mon image dans LR. Je préfère laisser cette étape au photographe car il peut souhaiter supprimer ou définir une taille propre à un magazine. Je conserve l’original non recadré pour son portfolio. De plus, je n’agrandis jamais un original à ce stade. Je préfère le faire sur une copie de l’image retouchée aplatie et non recadrée pour conserver la meilleure qualité possible.

(épisode précédent)

Retour sur mon post-traitement

Lorsque tous mes fichiers RAW sont dans leurs dossiers, je les glisse/dépose sur l’icône de LR. Alors, LR s’ouvre et vous demande quelques informations avant de pouvoir traiter le dossier. Je demande la création de la prévisualisation 1:1 dès ce moment-là et l’application de réglages que j’utilise systématiquement à l’import des images dans LR. J’appelle cela mon preset de base : netteté zéro, un peu de l’exposition, un peu de récupération, un peu de lumière d’appoint, les noirs, le contraste, la clarté, la vibrance, etc. Il s’agit d’un réglage dont j’ai besoin et que j’utilise toujours à l’import d’un fichier pour obtenir une bonne image. Ce réglage sera ajusté à mon goût un peu plus tard mais, pour débuter, c’est parfait. Sinon, je n’ai pas besoin d’ajouter des méta-données ou des mots-clés car je ne garde pas ces images dans LR une fois que les fichiers haute résolution ont été livrés à mon client. Je ferai simplement mes recherches d’images en utilisant le nom du client dans les bases de données disponibles sur CD/DVD/disque dur.

Lorsque les fichiers sont importés, je commence ma journée de retouche en tâchant de préparer les meilleurs négatifs numériques destinés à être exportés dans Adobe Photoshop CS3 pour une utilisation ultérieure. J’appelle ces RAWs “négatifs numériques” parce que c’est ce qu’ils représentent pour moi : des fichiers qui doivent être développés avec soin afin d’être travaillés et imprimés comme un négatif traditionnel serait préparé avant d’arriver dans la chambre noire.

Phase I : traitement brut Lightroom

Ce que je fais est simple mais efficace pour ma future utilisation. Ce qui suit porte sur mon propre flux de travail des fichiers RAW dans le module Développement de LR :

* L’histogramme en haut : je n’utilise pas l’histogramme. Comme j’étalonne régulièrement mon écran avec un appareil fiable, ce que je vois est ce que je reçois, aussi, je travaille avec des photographes qui savent exposer leurs sujets et, par conséquent, les images sont assez bonnes pour commencer.
* La balance des blancs : j’affine ma balance des blancs en fonction de ce que nous voulons à la fin (je ne joue pas beaucoup avec le curseur Coloris car je trouve cela de la Température vraiment bien. Parfois, j’enlève un peu de rouge quand je pousse le rendu chaud un trop loin).
* L’exposition : je l’ajuste en maintenant la touche ALT (ce qui me permet d’obtenir des résultats parfaits sans bruler les hautes lumières). L’écran devient noir et en déplaçant le curseur, je m’assure que qu’aucune couleur n’apparaît à ce moment-là. En utilisant le curseur de sur- ou sous-exposition, j’obtiens toujours la bonne exposition. A ce stade, veillez à bien mettre le curseur Récupération sur 0 parce que vous appliqueriez une correction sur une autre avec le risque de pousser l’exposition trop loin. Je sais que cela peut paraître étrange d’appliquer une correction lors de l’importation et de l’enlever après mais parfois mes paramètres de base fonctionnent et, si c’est le cas, je n’y touche pas.
* La récupération : comme expliqué précédemment, la récupération est là pour récupérer quelques détails dans les hautes lumières ou pour rendre les blancs moins délavés ou leur donner plus de densité. J’utilise également cet outil en maintenant enfoncée la touche ALT. Je préfère généralement l’utiliser juste en regardant les résultats sur l’écran.
* La lumière d’appoint : je règle le curseur à 3/5, ce qui est généralement suffisant pour les images bien exposées. La remontée des basses lumières est utilisée pour aller chercher les détails dans les ombres.
* Les noirs : je déplace le curseur vers 2/3 pour obtenir des noirs plus francs.
* La luminosité : je n’ajuste jamais ce curseur et le laisse à 50. Les outils luminosité/contraste des versions précédentes de Photoshop m’ont laissés une très mauvaise impression qui est restée ancrée en moi. La correction de l’exposition est suffisante pour moi.
* Le contraste : je le mets autour de 25/35, pas plus. J’aime que les images soient contrastées mais sans excès.
* La clarté : ce réglage est assez bon pour redéfinir les bords d’une personne, de poils ou autres éléments qui pourraient en avoir besoin. Je l’utilise aux alentours de 20/30. Si vous allez trop loin, vous remarquerez un halo sombre autour de votre sujet, ce qui lui donnera un aspect surréaliste.
* La vibrance : Je la mets généralement à 10 car cela rehausse les couleurs juste assez.
* La saturation : je n’ai jamais régler ce paramètre car je le trouve trop fort, même à un faible %.
* La courbe des tonalités : J’utilise rarement l’outil courbe de LR. Comme indiqué précédemment, les images que j’obtiens ont rarement besoin de corrections majeures car elles sont plutôt bien exposées. Si je sais que je resterai dans LR jusqu’à la fin et que je n’exporterai pas dans Photoshop, je vais l’utiliser pour obtenir une meilleure image.
* L’onglet TSI : si nécessaire, je vais l’utiliser pour corriger un peu les couleurs en les ajoutant un peu plus de noir ou pour obtenir un rouge plus vif pour les lèvres dans le cas d’un portrait par exemple, mais jamais trop.
* Les détails : je mets tous les réglages au plus bas pour le faire ensuite dans Photoshop. C’est juste une question de simplicité et de facilité d’utilisation pour moi.
* Le vignettage : Je n’utilise pas cet onglet pour les images. Encore une fois, si j’ai besoin de supprimer ou ajouter un vignettage dans mon image, je le fais avec un masque et une courbe dans Photoshop.
* L’étalonnage de l’appareil photo : Selon l’appareil utilisé, je l’utilise un peu. Par exemple, pour les fichiers d’un Canon 5D, je supprimerai un peu de rouge et je le désaturerai.

Voila! Je viens de parcourir ce que je fais normalement dans LR et cela dure environ 30 secondes par image pour appliquer ces réglages. Puis, je les sélectionne toutes et les exporte dans un dossier prédéfini pour finaliser toutes ces images, ce qui prend de l’ordre de 3 heures chacun.

3 heures?! “Mon Dieu, que faites-vous avec eux?! Ne les avez-vous pas développer suffisamment avec soin? “Oui, en effet, mais dans la mode/beauté/lingerie/publicité commerciale, d’autres ont à travailler sur les images pour que cela plaise aux personnes qui achètent ces styles ou les marques. Personne ne voudrait acheter une robe si la jeune fille sur l’affiche semble laide (je parle des tendances actuelles. Cela pourrait changer dans l’avenir).

(épisode précédent)

L’organisation

Une fois cette demi-journée terminée, le catalogue créé et enregistré sur le disque dur du photographe, je continue mon après-midi, tout comme le matin : j’attends l’arrivée des cartes, je trie la séance, applique des corrections, discute avec le photographe, demande l’approbation du client, et si nous en avons le temps, nous taguons rapidement les images, effectuons une sauvegarde et la journée est terminée!

Le post-traitement

Donc, dans ce cas :

BAZAARSP08_01
BAZAARSP08_02
BAZAARSP08_03, etc

(épisode précédent)

La pré-capture

Avant le début de la séance de shoot, je prends mon appareil pour vérifier les paramètres de base et appliquer quelques corrections au besoin.

Voici ce que je cherche :

La capture

(Introduction)

Ma vie en tant que retoucheur de photos numériques et spécialiste des technologies de travail.

En tant que retoucheur de photos numériques et spécialiste des technologies de travail, mon travail au cours d’une séance de photo est assez simple, mais stressant. Il consiste à m’assurer que tout est sous contrôle, sauvegardés, et retouchées avant la livraison. Je travaille avec de nombreux photographes de mode, et chacun d’entre eux, au cours de la journée, comptent sur mon expertise pour créer un flux de travail qui fonctionne pour eux et pour moi; un flux de travail qui est facile, fiable et efficace de telle manière que le photographe puisse rapidement voir par dessus mon épaule tout ce qu’il a besoin d’approuver. Ce qui suit est ma manière de travailler, celle qui convient pour moi et mon client. Il est loin d’être le meilleur flux de travail, ni le seul dont vous pourriez avoir besoin mais il est le meilleur pour nous et nos besoins. Commençons !

La station de travail

Détails de ma configuration :

* MacBook Pro 3 Go
* IMac 24 pouces, 4Go RAM
* Batterie de secours APC
* Tablette graphique
* Disque dur 160 Go LaCie
* Lecteur de cartes

Les programmes de post-traitement :

* Adobe Lightroom
* Adobe Photoshop CS3 [Mac]

A suivre …

Aujourd’hui, je voudrais vous faire part d’un article relativement détaillé sur l’intérêt de photographier en connectant votre appareil reflex à Lightroom.

Le grand intérêt de photographier en étant connecté à Lightroom
par Syl Arena

Matériel et logiciels pour les shoots connectés

• Le reflex numérique : Presque tout appareil avec un port de données (type USB) et un logiciel de contrôle externe peut être utilisé pour ces shoots.

• Lightroom : logiciel conçu par Adobe pour répondre aux besoins de la photo numérique. Au cours des six derniers mois, il est devenu l’épine dorsale de mon travail en numérique.

• Un cable de transfert de données : La plupart des appareils reflex numériques sont livrés avec un câble de transfert de données (type USB) (bien que j’ai depuis longtemps acheté des cables plus long et plus robuste).

• Un logiciel de contrôle pour appareil reflex : C’est le logiciel par lequel votre ordinateur peut réellement contrôler les paramètres de l’appareil. Canon livre “Canon EOS Utility” avec leurs appareils reflex numériques. Si vous êtes chez Nikon, vous devrez acquérir “Nikon Camera Control Pro 2″ [30 jours d'essai ici]. Si vous êtes chez Olympus, vous devrez obtenir “Olympus Studio” [30 jours d'essai ici].

Quel intérêt allez-vous avoir de shooter en étant connecté à Lightroom ?

• Evaluer précisément l’exposition : Même si vous photographiez en RAW, l’histogramme de votre appareil photo sur l’écran LCD est dérivé des données JPEG (Dites-vous que c’est une info proche mais pas parfaite). Si vous exposez afin que l’histogramme soit le plus possible à droite sans rien brûler, l’écran LCD de votre appareil photo pourrait être encore trop prudent, alors que l’histogramme de Lightroom est construit sur les données brutes (RAW) et est donc bien plus précis. De plus, il est également beaucoup plus facile à voir. En outre, vous pouvez utiliser le curseur d’exposition de Lightroom pour déterminer l’exposition correcte de votre appareil photo.En effet, lors de l’évaluation une image test dans Lightroom, si vous faites glisser le curseur de l’exposition de 2/3 d’IL afin que l’histogramme se situe juste en dessous du seuil de sur-exposition, vous devez alors augmenter votre ouverture de 2/3 d’IL pour votre prochaine photo (Ex : passer de f/8 à f/6,3). Déclenchez à nouveau et évaluez le nouvel histogramme.

• Voir la MAP (Mise Au Point) de façon précise : Si vous photographiez avec l’idée d’une profondeur de champ minimale ou très précise, tel qu’en photographie macro ou de cuisine, il est beaucoup plus facile de visualiser immédiatement l’image sur un grand écran plutôt que sur le LCD de l’appareil. Etre capable de faire un zoom 100% juste après la prise de vue est d’une grande aide. Il m’est arrivé de plaisanter en disant que le shoot connecté revient à disposer d’une énorme loupe à l’arrière de mon appareil photo.

L’écran arrière d’un APN (ci-dessus) ou le mode connecté dans LR (ci-dessous) (© Syl Arena)

• Evaluer la gamme de couleurs pour les sujets critiques : Si vous réalisez des images avec des couleurs critiques qui doivent s’intégrer dans un espace de couleurs réduit (Ex : CMYK pour l’impression de catalogues et de magazines), la méthode shoots connectés permet en temps réel un “soft proofing” (évaluation du rendu de couleurs). Si c’est vraiment important d’obtenir la teinte exacte de la robe rouge de votre client à l’impression, au cours d’un shoot connecté, vous pouvez vérifier si les couleurs de la version imprimable entrent dans la gamme de couleurs CMJN.

• Créer des noms de fichiers spécifiques au travail : Oubliez les noms comme “_MG_0319.CR2″. Il est facile de configurer automatiquement Lightroom pour renommer vos fichiers lors de leur archivage. “Client_Date_Sujet_0319.CR2″ est beaucoup plus facile à se remémorer dans les jours et les semaines qui suivent la prise de vue. Renommer les fichiers au cours d’une séance permet d’assurer une cohérence entre les images.

• Ajouter de données détaillée de Copyright : Lightroom intégrera les droits d’auteur et des informations de contact complètes dans vos images importées. Oui, vous pouvez le faire plus tard… mais, le faire automatiquement lors de l’import de images est plus efficace.

• Ajouter des mots clés spécifiques à la volée : Lightroom ajoutera les mots-clés dès l’import de vos images. Ceci est très utile pour de longues séances photo où vous aurez probablement envie d’afficher pour une évaluation rapide des groupes d’images par thème, note ou un autre critère.

• Réaliser une duplication immédiate des photos : La plupart des reflex numérique enregistreront vos images sur la carte de l’appareil et en même temps envoyer les images vers l’ordinateur. Ainsi, même sur le terrain, avec rien de plus que votre appareil photo, un câble et un ordinateur portable, vous pouvez avoir une duplication immédiate de vos photos.

• Travailler en mode connecté sur un portable est bien plus confortable : Si vous shootez à partir de votre portable ou autre installation en ayant votre boitier sur trépied, vous pouvez sauvegarder votre dos en contrôlant l’appareil à partir de votre bureau plutôt que de derrière le trépied. Une fois que la composition réalisée, vous pourrez alors modifier, depuis votre clavier, la vitesse d’obturation, d’ouverture, les ISO, mode de l’exposition, etc.

Quels avantages tirés du shoot connecté pour vos clients ?

• La confiance du client : Si votre directeur artistique et le client sont sur le plateau, vous pouvez les tenir à distance par une connexion avec un long câble et une configuration de Lightroom permettant de montrer à chaque shoot une image en haute résolution. De cette façon, ils peuvent voir les images sans être debout derrière votre épaule.

• Un Workflow optimisé : Lors d’un shoot connecté sur le terrain ou en studio, vos clients pourront visualiser les images sur votre moniteur calibré plutôt que sur les leurs (souvent mauvais). C’est d’une valeur inestimable lorsque la couleur des produits est critique.

• Les comparaisons deux à deux (X/Y) : Vous pouvez faciliter la surcharge intellectuelle de vos clients en présentant seulement deux images candidates à la fois en vue d’en choisir l’une des deux. Ensuite, présentez une autre image en comparaison et choisissez à nouveau la meilleure des deux. Pour les clients qui ne sont pas des éditeurs professionnelle de la photo, il s’agit d’une manière très pratique de sélectionner les meilleurs images.

• Gardez la trace des sélections du client : Obtenez l’approbation de votre client et notez sa sélection. Être en mesure de réaliser rapidement une galerie des images séectionnées par le client vous aidera vous et votre client à maintenir une cohérence des images prises au court d’une longue séance.

• Créer des galeries Web rapidement : Avec Lightroom, il est facile de créer et télécharger des galeries Web. Les associés de votre client(ou ses propres clients) pourront passer en revue les photos de la séance via les galeries Web, alors même que la séance est toujours en cours.

Le shoot connecté n’est pas si génial quand :

• Le sujet est en mouvement : Il y a des limites maximales pour les câbles (USB = 25m avec des extensions actives, Firewire = 36m avec des connecteurs alimentés). Si votre sujet est en mouvement au-delà de la portée du câble, vous devrez faire une plate-forme mobile pour votre ordinateur ou limiter votre rayon d’action.

• Vous photographiez plus rapidement que l’appareil photo permet de transférer des données : Si vous photographiez comme une mitrailleuse, il est probable que l’appareil ne sera pas en mesure de transférer les données assez rapidement. Dans cette situation, il est possible de faire des photos test (pour l’exposition, …) en étant connecté, puis vous détachez l’appareil et enregistrez vos images dans la carte de l’appareil.